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[Plonger dans l’âme de...] Leïla Martial. Danse avec les sons

[Mise à jour] Un nouvel entretien tout aussi magique a eu lieu pour la sortie de “Warm Canto” et il est consultable ici...


[Album] Leila Martial: “Warm Canto”. Balade sonore en terre fraternelle https://www.facebook.com/notes/culture-etc/album-leila-martial-warm-canto-balade-sonore-en-terre-fraternelle/2281840272070199/


Son univers tombe dans les oreilles de ceux qui la découvrent comme un OVNI jazzistique plein de bonheur et d’imprévu. Un objet musical assez difficile à définir parfois, si ce n’est qu’il reste toujours très agréable! L’oeuvre de Leïla Martial est vraiment très étonnante. On n’est donc pas surpris de savoir qu’elle et ANNE PACEO travaillent ensemble. Et on comprend subitement que derrière ces deux artistes exceptionnelles se cache un seul et même label musical, Label Laborie Jazz, qui organise au Studio de l'Ermitage une semaine de Festival: Ermi'Jazz... Ces choses étant posées, reste l’essentiel: l’artiste. Celle que vous allez découvrir dans les lignes qui suivent est jubilatoire et l’échange que nous avons eu ensemble était un bonheur sans nom. Ce genre de discussion qui remplit votre mémoire d’étoiles et qui vous font vous dire qu’il y a sur cette planète des personnes extraordinaires. Bienvenue dans le monde incroyable de Leïla Martial!



Bonjour Leïla. Une question introductive. La langue que tu parles sur le répondeur de ta boite vocale, quelle est-elle ?


Bonjour Philippe. C'est une de mes langues imaginaires. En l’occurrence, la prise de son sur cette messagerie est déplorable donc on se demande vraiment où on a atterri… Il s’agit simplement d’une de mes mille langues imaginaires, je ne sais pas comment s'appelle celle-là. Elles n'ont pas de nom.


Parce que ton grand jeu, donc, si j'ai bien compris, c'est de jouer avec les langues...


Jouer avec les langues... Avec le son des langues, on pourrait dire. Je ne parle pas ces langues-là, quand j'étais petite et que j'imitais les étrangers, j'imitais le son qu’ils produisaient, les inflexions, tout ce qui me semblait composer une langue au niveau sonore, mais je ne les parlais pas. D'ailleurs, je ne parle toujours pas les langues. Un petit peu espagnol, un peu anglais, mais ça s'arrête là.


C'est vraiment un jeu alors. S'emparer de mots imaginaires ? Est-ce que tu aimerais créer une langue imaginaire?


Non, non, non, ça n'est pas mon objectif de créer un alphabet ou un lexique, pas du tout. En fait, dans ma démarche, je considère la langue comme un agencement de sons. Au final, ce qui m'amuse profondément, c'est de, comment dire, parler avec du son. C'est l'intention qui compte. Quelle intention produit quel son.


On va donc dire les choses autrement, ton objectif est de faire parler les sons ?


Oui, c’est assez juste. Exactement. Et que les sons parlent de moi.


Qu'il y ait une espèce de transparence ?


Oui. Complètement. Qu'ils soient le témoin de mes intentions. De ce que je veux faire passer.


Ce que tu veux transmettre?


Oui.


Est-ce que c'est un évanouissement ou une apparition ?


On va dire que ça se situe à l'endroit du passage de l'un à l'autre. Quand ça vient de s'évanouir et que ça re-surgit. Dans ce sens ce serait plutôt une apparition. J’aime cette image. On pourrait parler aussi de surgissement, de jaillissement.


Un jaillissement impromptu. Dont tu ne maîtrises pas les couleurs toi-même ?


Exactement. Parce que c'est en totale interaction/adéquation avec ce qui se passe autour. J'essaie d'être cohérente, d'épouser, d'embrasser un environnement sonore ou une ambiance, pour m’y intégrer tout en apportant mon son de cloche -c'est ma conception aussi de l'improvisation: faire partie de l'univers en place et y apporter ma touche, complémentaire. Tout ça en m'imprégnant de ce qui est là. Il s’agit de la rencontre entre ce qui est déjà là et ce qui se trouve en moi. C’est cette rencontre qui peut créer des étincelles. C’est un miroir vivant, et dans ce sens… déformant puisqu’en mouvement !


Quels sont tes capteurs ?


Le timbre. C'est très très important pour moi. Quels sont les timbres émis ? Quand on est chanteur, concerné de près par la voix, force est de constater qu’on se confronte à des modifications et des fluctuations de timbres permanents, chaque jour et plusieurs fois par jour. Donc.. on se doit d’apprendre la souplesse et l’écoute.


Qu'est-ce que tu entends par le timbre stp ?


Le son, l’émission, la matière sonore. Le son produit par les êtres ou les objets et donc les inflexions, la puissance, la dynamique, les nuances...


S'il y a de l'émotion dedans par exemple?


Oui, en partie. L’émotion, ça se traduit de façon complètement différente chez des sujets au timbre différent... la même émotion peut donc revêtir des timbres différents.

Est-ce que ça veut dire que tu saurais improviser, être toi-même dans n'importe quel univers ou seulement dans un univers qui t’est quand même un minimum familier?


Toute ma démarche réside justement dans la recherche, l’envie et -d’une certaine manière- l’ambition d’être tout-terrain. Donc de pouvoir m'adapter à n'importe quel univers, en tant que voyageuse vocale. Etre capable de capter quel est le propos, quels sont les timbres, quelle est l'intention de ce qui est en train de se jouer, l'esthétique aussi, et puis me fondre là-dedans tout en apportant ma proposition propre. J’ai mon langage aussi, j'ai ma façon de rentrer là-dedans. Je l’ai justement développé sans savoir où j’allais, simplement en pratiquant ce qui était mon passe temps favori : jouer avec les sons et réagir « en son ».


Combien de temps te faut-il pour comprendre l'univers vocal des autres ?


Ca dépend. Ca peut-être assez instantané. Parce ce que ça ne se passe pas juste avec les oreilles, il y a la tenue du corps aussi et plein d’autres chose…Tout rentre en compte. C'est vraiment l’humain qui s’exprime et qui reçoit. Je parlerais d’empathie. Je fonctionne beaucoup comme ça. C’est l’art de se mettre au diapason, de comprendre (donc ressentir) ce qui est envoyé, le compléter, lui répondre, le refléter, se placer en contrepoint, accompagner, harmoniser... Y'a plein de modes de jeux possibles, plein de choix. C'est ça qui est vertigineux et jubilatoire : Tous ces choix, tous ces possibles contenus dans un même instant.


Ce dont tu parles, ce que tu décris, c'est à l'intérieur du groupe avec tes musiciens, mais on va revenir dessus...


Non, non, non, c'est de façon générale.


Aussi quand tu es en représentation ? Quel est le rôle du public quand tu es en concert ? Quelle est sa place ?


Ca dépend des lieux, ça dépend des configurations. Vraiment. Il y a le public, il y a aussi le lieu qui accueille un projet et le projet lui-même. Ca dépend de quel projet il s'agit. Quand je joue en solo, évidemment, le public est encore plus inclus et partie prenante du voyage car je suis en improvisation totale. Je mêle la voix et le jeu clownesque (à dose variable en fonction du contexte là encore) et donc là, vraiment, le public est avec moi, il me donne de la matière de jeu entre autres. Idem si je suis dans des répertoires d'improvisation totale avec d’autres, et encore plus si ils sont issus du spectacle vivant (exemple notre duo Furia avec la danseuse Marlène Rostaing). Mais enfin il y a tellement de facteurs, et puis il y a des lieux qui véhiculent ça. Les lieux ont des lignes esthétiques aussi. Par exemple à L’atelier du Plateau à Paris (où j’étais en résidence l’année dernière dans diverses formules), le public sait qu'il vient faire des expériences, il amène son audace avec lui, il prend un risque.. Et du coup, l’artiste est invité à en prendre aussi. C’est génial ! Alors que dans d'autres lieux, l’auditeur est plus passif, il vient poser ses fesses dans un fauteuil et recevoir. Et puis encore, il y a des lieux qui sont des prestataires de service et n’ont que faire de la ligne esthétique.. Je n’ai aucun jugement là dessus, moi même en temps que spectatrice, j’apprécie différents cas de figure. Etre engagée ou parfois me laisser porter, plus passivement.. Tout ça pour dire qu’il y a différents degrés d’engagement d’un public.

Ca se prépare ? Quand tu débarques quelque part pour jouer, tu as besoin d'un temps d'acclimatation ?


Il y a des groupes avec lesquels je sais à peu près où je vais atterrir, si on tourne dans des Scènes Nationales ou des Centres Culturels, je sais à peu près à quoi ça ressemble, ils ne sont pas très différents les uns des autres. L’accueil peut être très variable en revanche.. Et un accueil chaleureux est toujours une plus value énorme pour nous. Il peut orienter la représentation dans un sens ou dans l’autre. Dans d’autres lieux, lorsqu’il s’agit de performances ou expériences au format insolite, j’ai besoin d’anticiper davantage. J'arrive en avance de toutes façons, les balances sont faites pour ça. C’était le cas le week-end dernier par exemple pour les journées du patrimoine. Avec ma complice Marlène Rostaing nous avons été invitées à performer dans divers endroits d’un musée du Verre à raison de 4 interventions par jour tout le week-end. 2H30 d’impro par jour, c’est intense ! Dans ce cas là, c'était important de s'imprégner la veille des différentes ères de jeu, des oeuvres exposées, des contraintes sonores (un des lieux de jeu était l’atelier des souffleuses de verre où le four produit un bruit sourd imposant et constant … c’est une donnée importante par exemple et qui a orienté l’impro). Plus il y a de l’inconnu, moins le format est conventionnel, plus il faut se préparer d’une certaine façon. Mais enfin... tout est possible. Je veux croire qu’on ne peut pas établir de règles… Le mot d’ordre est l’adaptation et l’inventivité de toutes façons !

On va revenir sur toi. Quand tu disais qu'avec les autres musiciens tu devais répondre à leur timbre, trouver ta place etc. Ca recoupe ce que tu dis par rapport à la place de la voix dans un groupe, qu'elle n'est pas seulement là pour être accompagnée, mais qu’elle peut faire partie de la musique en tant qu'accompagnement elle-même.


Complètement. Elle est membre d'un tout. La voix est élastique. On peut vraiment faire un milliard de choses avec une voix. Je la trouve sous exploitée d'une manière générale, parce que dès qu'on met des mots, le son est au service des mots. J’avoue que je suis clairement passionnée par la diversité des possibles avec une voix, j’en ai fait mon crédo. Et puis parlons de la diversité des rôles qu'elle peut avoir dans un groupe : imiter un riff de guitare par exemple, créant une confusion de timbre qui fait qu’on ne sait plus qui fait quoi, fusionner dans les timbres et les inflexions d’un instrument au point de créer un nouvel instrument à 2. Souligner un accompagnement, le compléter avec des jeux de souffle ou des jeux de bouche très rythmiques et puis tout d'un coup percer la toile en reprenant le lead. Et puis quand je parle de lead, il y a plein de façons d'être lead… Et puis la voix elle peut avoir tous les âges aussi… c’est magique.


On entend des âges dans la voix ?


Oui, complètement. On peut faire entendre différents âges de la vie avec une voix. C’est d’ailleurs extrêmement jubilatoire ! Comme toutes ces questions d’ailleurs, j’adore ! ça pousse loin. Ca vient m’interpeller, ça me donne à réfléchir aussi.


Et comment travailles-tu ta voix justement?


C'est toujours difficile pour moi de répondre à cette question. Comme je l’ai dit en amont, j'ai choisi la multitude, la diversité. Donc, la grande difficulté pour moi c’est aussi de faire des choix et d'avoir une discipline. Si on doit parler de discipline en ce qui me concerne, elle est faite de mille choses qui ne se ressemblent pas. Chaque jour est différent. Je vais toujours tenter de travailler “sans le faire exprès”, créer des contextes qui ne me demandent pas de dur labeur ou du moins qui m’amusent. J'ai besoin de m'amuser, d'avoir l'impression de jouer, au sens premier du terme. Ca peut être faire l'imitatrice, me greffer à quelque chose que j'entends à la radio, capter un rythme quelque part, tenter de le reproduire... J'ai pris des cours de technique vocale avec une chanteuse lyrique au début de ma carrière, j’étais assidue. Et puis il y a eu (et il y a toujours) les voyages : ado, j'étais toujours dehors. N'importe quel gars sortait une guitare, je venais chanter avec lui: “Allez, vas-y envoie quelque chose!”. Bref, je trimbale ma voix comme on trimbale l’apéro dans son sac à dos... C'est mon instrument de rencontre. En revanche, la voix est un instrument fragile, la mienne particulièrement. Je traverse donc des périodes de repli, quasi mutique. La voix reçoit tout de plein fouet, elle est dans le corps, c'est un muscle, elle s’imprègne. Tout ce que je peux vivre, ma voix le reçoit. Ce n'est pas comme un saxophone. Un saxophone ne vit pas directement ce que le saxophoniste vit. C'est le saxophoniste qui va le transmettre à son saxophone. Pour un vocaliste, c’est pas pareil. Ma voix reçoit, que je le veuille ou non, tout ce que je vis. Je dois vivre avec elle. Etre consciente que tout ce que je vis, elle le vit aussi, donc que je ne peux pas me mentir, me soucier juste de la technique. Je suis obligée de me reposer aussi, de faire des pauses quand je sature ou qu'il y a trop de sollicitations extérieures, qu'elles soient musicales ou pas. La vie peut être très (trop) dense parfois, émotionnellement, et il faut savoir souffler, ralentir, s’arrêter. Pour enfin reprendre son souffle. Paradoxalement, je suis professionnelle, alors je connais de mieux en mieux le chemin pour me connecter à la source, à cette voix solide, cette source inaltérable. Comme on va puiser dans les nappes phréatiques… C’est la cohabitation de plusieurs zones en moi, celle qui est vulnérable et modifiée par son environnement, et celle qui est solidement connectée à ses ses ressources et forte de son langage. Finalement tout ce que j’ai développé va dans ce sens : être capable d’exister vocalement dans n’importe quelle situation.


Ce que tu dis renvoie à... J'ai l'habitude de parler de « la mémoire des mots ». Pour expliquer en deux mots, on parle de la mémoire de l'eau, qu'elle garde la trace de son passé, tout le temps, et du coup en parlant avec des comédiens de théâtre, je me rends compte qu'ils me parlent de la mémoire des mots, c'est à dire que vos mots portent les marques de leur propre passé. Mais là, ce que tu es en train de me dire, tu es en train de me parler de la mémoire de la voix. C'est à dire que la voix, en tant qu'outil, comme l'eau, comme le mot, porte la mémoire de son passé. Tu serais d'accord avec ça ?


Oui, complètement. Le corps. La voix, c'est le corps. Et encore, je ne parle que de la voix en tant qu’instrument sonore, pas de la voix qui porte des mots. Les mots, ça vient encore ajouter une complexité, un élément hyper important. Quand j'utilise le français sur scène, je le parle, je ne le chante pas. Là, dans le prochain disque, il y aura un seul morceau avec des paroles, de l'anglais, sinon, ça n'est que du langage imaginaire. Pour moi, les mots sont très importants. J’écris. Le français est frontal je trouve. Les mots contiennent suffisamment de sens à eux seuls. Finalement, tout ce que j'ai développé, se situe en amont des mots. Dans un sens, c’est ancestral… Je cherche à m’exprimer par le son. Trouver le sens du son. Juste ça. C’est déjà énorme pour moi. Ça prend toute la place ! Je suis sur le chemin, je veux dire, cette quête m’animera jusqu’à mon dernier souffle… Je vais développer, creuser, affiner, pour être de plus en plus proche de ce qui veut s’exprimer en moi, parvenir à cette mise en son de mon monde intérieur. Même si, ma voix, en vieillissant, ne sera pas forcément aussi précise et fine, parce que c'est un muscle aussi. C'est la réalité d'un muscle. Qui bouge, qui se transforme. Ma particularité aussi c’est que j'ai démarré avec des pathologies sur les cordes vocales, toute une histoire… en fait, ça m'a aussi permis de développer une hyper-acuité par rapport à mon organe. Je suis très proche de mes sensations. Même si, je le concède, je l'éprouve ma voix, je la pousse dans ses retranchements. Quand je sors d'un concert de Baabox, elle est souvent “dans le rouge”. Elle a beaucoup donné. On pourrait dire que je ne me ménage pas mais, pour le coup, j'ai l’impression que j'exploite vraiment ce trésor, ce cadeau. Et j'ai encore un milliard de choses à explorer et éprouver à travers elle. Il parait que dans le cas de la voix, c’est la fonction qui créé l'organe. C'est pour ça qu'on a des larynx différents en fonction des pays. Ce qu'on entend va modifier ce qu'on va émettre et donc va modifier la morphologie. Tout vient de ce qu’on entend, notre perception. Comme dirait un compositeur dont j’ai oublié le nom “si j’entendais comme la Callas, je chanterais comme la Callas”.


Donc, ta morphologie vocale à toi-même a évolué tu penses d'une certaine manière ?


Oui. Je le sens, complètement.


Le mot “membrane” me vient en tête. “Membrane sensible”, pour les cordes vocales, et tout ce que ça veut dire de sensibilité et de fragilité d'ailleurs et de porosité. Voilà, c'est le mot que je cherchais. C'est la porosité au monde par la voix.


Complètement ! Le gros du travail que j'ai fait en technique vocale, quand j'ai commencé, consistait à assouplir la membrane justement. La muqueuse. Assouplir pour mieux sentir. Pour ressentir. Elargir et amplifier les zones de sensations. Les réveiller. S’ouvrir. Devenir poreux. Ressentir. Retranscrire. Chanter.


Est-ce que tu sens d'emblée quelque chose quand tu arrives dans une salle de spectacle ? Est-ce que ta voix d'une manière incontrôlée réagit déjà à quelque chose d'indéfinissable ou pas, je ne sais pas...


Comme c'est moi qui réagis, ma voix, forcément réagit en effet. Mais c'est pas tant ma voix que ma dynamique intérieure. Mon impulsion. La pratique de la voix nécessite un corps en bonne forme physique, elle a besoin de tonus et de soutien pour être projetée. Si mon corps est faible, lourd, que je ne peux pas donner l'impulsion, ma voix peinera aussi. Quand j'arrive dans un endroit, je suis variablement stimulée. Encore une fois, c’est lié à l’endroit, aux gens qui nous accueillent, à l'état dans lequel je suis aussi… Tout joue.



Pierre Tereygeol et Eric Perez -tes acolytes de Baa box- prennent aussi leur place en tant que voix dans le projet.


Oui dans le nouveau projet, ils chantent beaucoup plus, ils sont merveilleux !


Si j'ai bien lu tu disais que Eric faisait la basse vocale


Oui, ça c'est vraiment très particulier comme boulot, c’est son truc à lui, il le fait en jouant la batterie.


La proposition lui est venue comment ?


Petit à petit en s’amusant lui aussi. Il a toujours chanté et c'est un batteur incroyable. Il s'est amusé à faire des lignes de basse en jouant de la batterie et vu ses prédispositions à l’indépendance, il a creusé l’idée de constituer la section rythmique à lui tout seul ! Il l’a développé au sein de notre projet en majeure partie.


On va revenir à autre chose. Tu disais que le monde du clown t'avait métamorphosée.


Oui, alors… Le mot est un peu fort ou du moins, je ne sais pas si il est juste. La rencontre avec l'univers du clown est venue mettre au grand jour quelque chose qui a toujours été là. Cela m'a permis d’assumer des élans de jeu pas bien assumés jusque là, parce que il y a toujours cette notion de légitimité dans ce métier, particulièrement en France, où pour être reconnu dans un domaine, il faut être spécialiste d’une discipline. Une chose à la fois… J’ai pu trouver dans l’art clownesque des modes de jeu et des outils qui m’ont donnée de l’assurance. Aujourd’hui, j’ai assez confiance en moi pour oser casser le cadre et assumer ma pluralité. Gamine et ado, je ne savais pas si je voulais être chanteuse, comédienne ou danseuse... Il y avait de toutes façons une urgence chez moi à m’exprimer sur une scène, à témoigner de ce qui m'arrivait, des émotions que j'éprouvais et à les retranscrire par n’importe quel moyen, pourvu que ça prenne source dans le corps. Donc tout ça m’a toujours habité, j'ai toujours fait la clown et improvisé. L’art du clown c’est pour moi l’essence de l'improvisation, de ce que je cherche. Je cherche à réagir en toute transparence à ce qui se passe, à ce qui m’arrive en tant qu’individu émotif et réceptif. L’art du clown, c'est l’art de l'émerveillement permanent, c'est être une sorte d’éponge, ne rien faire comme tout le monde. Parce qu'il n'y a pas de notion de bonne conduite, il n'y a rien à faire, il y a juste à être. 1)Ecouter 2) Activer sa moulinette créative 3)Se laisser être. Michel Dallaire pose des mots là dessus qui me touchent beaucoup « Notre peur du ridicule traduit notre peur d’être libre » ou encore « le clown ne pardonne pas, il oublie ». (cette phrase m’a inspirée les paroles de la chanson (avec paroles) de mon prochain disque ) Le clown c'est juste un concentré de présent. Présent après présent. Ma démarche consiste à creuser cet endroit de l’improvisation et de la liberté et j'ai envie de pouvoir arriver sur scène sans savoir ce qui va réellement se passer, avoir à ma disposition des outils issus de clown, du chant, du mouvement, de la danse... etc…et laisser jaillir. ! Ce qui m'importe c'est d'être créative. De réagir de façon inventive et libre.


Pour prolonger ce que tu dis sur le clown, tu dis si le clown est dans le présent, on va dire, pour la musique qu'elle est dans l'instant et pas dans la durée du coup ?


Oui si on se situe du point de vue de l'improvisation. Mais c’est autre chose quand il s’agit d'écriture. Personnellement, je pratique les 2. Je participe à des projets musicaux avec du répertorie écrit dans lequel nous intégrons de l’improvisation. Mais cette question de durée est un mystère… Même lorsqu’il s’agit d’une oeuvre éphémère, quelle trace va t’elle laisser sur l’auditeur, quelle est la durée de sa vibration… Celle là peut être éternelle.


Tes projets solo ont un nom particulier ?


J'ai appelé mon solo musical “Broussaille sonore”. Mais quand j'ai fait ma sortie à l'atelier du Plateau qui mettait en jeu à part égale la clown et la chanteuse en moi, je l’ai intitulé “Hors Piste”. Ca dépend, encore une fois… J'ai envie de développer le solo, vraiment, dans les temps à venir, j'ai envie de m'y consacrer, mais sous plusieurs formes. Là, je vais le faire dans des contextes et réseaux de musique jazz, des festivals, donc je vais creuser le propos musical. Quoiqu’il en soit, il y a toujours une dimension clownesque chez moi vu cette propension à jouer avec l'instant, avec la situation, avec les mots aussi parfois, le son des mots, le sens du son des mots etc… Je me sens de plus en plus d’affinités avec le milieu du spectacle vivant et petit à petit, j’ai aussi envie de m'en rapprocher. Je suis sur plusieurs fronts de mer.


Pour conclure peut-être, tu disais à un moment que la musique nous amène quelque part et le collectif après n'a plus rien à faire. Quand vous avez réussi à maîtriser l'oeuvre, votre parcours artistique à l'intérieur d'un concert, la musique vous emmène ensemble quelque part. C'est ce que tu dis.


On va dire qu'il y a une entité qui se crée à plusieurs, ce sont des moments de magie, de grâce, on creuse, on cherche, chacun met sa pierre à l'édifice, on est là, on laboure la même terre et tout à coup un sillon se dessine. Un sillon s'est créé ensemble et on n’a plus qu’à le suivre…


Comment sais-tu si le public te suit?


En fait, le public, c'est une sorte de miroir. Evidemment il y a les identités individuelles qui ont leur réaction propre mais on perçoit quand même un mouvement collectif. Et je dirais que, quand les moments de grâce décrit plus haut ont lieu, je sais que le public est avec nous. C'est évident. Il en fait partie. En fait ce que j'aime aussi avec cette musique, c'est que plus il y a de l'improvisation, plus le public est partie prenante du voyage, il participe. Il a vraiment un rôle. Quand le public est mû par une vraie curiosité, une vraie audace, ça nous libère, ça nous rend d’autant plus audacieux. C'est permissif. Le public peut-être permissif ou pas. Audacieux ou pas. Quand il ne l'est pas, il faut se battre un peu plus.


Un petit mot de conclusion sur la musique en général ou ton travail en particulier ?


Je ne sais toujours pas où je suis au milieu de tous ces sons. Alors je continue de danser avec eux et de les faire danser... Je continue.


Propos recueillis par #PG9



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